-
Содержание
В то время католическая церковь вынуждена была противостоять протестантской реформации, чтобы восстановить свое собственное значение и величие в обществе (контрреформация).
Художники следовали за ними, оживив идеалы красоты Возрождения и используя их в своих произведениях - в искусстве, музыке и архитектуре.
Новый экстравагантный стиль и предпочтение к украшениям превосходили даже клаассицизм. Этот утонченный стиль стал популярным в эпоху барокко и был отличен инновационными техниками и деталями, создавая пышный новый язык образов.
Барокко распространился по всей Европе. Движущими силами барокко были Ватикан и другие католические административные округа в Италии, Франции, Испании и Фландрии. Там барокко было поддержано могущественными орденами, которые финансировали искусство огромными суммами денег.
Этот востребованный стиль искусства быстро распространился во Франции, Северной Италии, Испании и Португалии, затем в Австрии и, наконец, в Южной Германии.
Важные идеи барокко в искусстве
Барокко вернуло образы для богослужений в общественное внимание после того, как они были запрещены в движении Реформации из-за превозношения католицизма. Лидеры этого движения заявили о необходимости, чтобы искусство было понятным и могло быть постигнуто обычными людьми.
Целью католической церкви было поощрение благочестия и почтения к церкви.
Характерные черты барокко:
Для достижения этих эффектов барокко-художники внедряли и разрабатывали ряд техник.
Среди них:
Это позволяло смешивать границы между живописью, скульптурой и архитектурой, что было характерно для барокко.
Барокко принесло новую эпоху в европейскую скульптуру, которую наиболее ярко представил творчество Джан Лоренцо Бернини, которое подчеркивало чувственное богатство, драматический реализм, интенсивные эмоции и движение.
Использование техники хиароскуро с целью создания драматических напряжений путем искусного сочетания светлых и темных участков в произведении искусства является важной составляющей барокко живописи.
Эта техника была дальнейшим развитием тенебризма, созданного мастером барокко Караваджо, который использовал контрастность в темных атмосферных сценах для выделения определенных элементов на передний план.
Термин "Барокко"
Происхождение термина "барокко" неоднозначно. Многие эксперты считают, что он произошел от португальского слова barrocco, что означает "неправильно или неровно образованную жемчужину".
Некоторые, такие как философ Жан-Жак Руссо, полагали, что это слово происходит от итальянского барокко. Этот термин описывает препятствие в формальной логике Средневековья.
С течением времени этот термин приобрел негативную коннотацию - произведение искусства в этом стиле считалось причудливым и иногда слишком запоминающимся.
Однако в 1888 году в работе Генриха Вёлфлина "Ренессанс и Барокко" (1888) термин официально использовался для обозначения самого художественного периода и связанного со стилем.
Контрреформация католической церкви
Ренессансный художник Паскуале Кати да Лези написал картину "Константинопольский собор" в 1588 году.
Примечание: Картина "Константинопольский собор" Паскале Кати да Лези (выше) изображает религиозное собрание. На переднем плане видно несколько святых женщин, собравшихся вместе. Эта фигура символизирует триумфальную церковь. Ее голубое платье, крест и диадема символизируют ясность учения.
Вместо того, чтобы иметь один единственный момент происхождения, барокко в конце 1500-х годов объединило в себе ряд инновационных разработок. Движущими силами были различные и соперничающие стили живописи, от Караваджо до болонской школы под руководством Аннибале Карраччи, а также архитектура Джакомо делла Порта.
Одним из важных факторов, который определил силу и масштаб движения, было патронатство католической церкви в период Контрреформации.
После грабежа Рима в 1527 году (Sacco di Roma) и в попытке противостоять распространению протестантизма, Контрреформация стремилась восстановить авторитет церкви. В 1545 году папа Павел III созвал первый Трентский собор. Целью собрания церковных достопочтенных и теологов было укрепление вероучения и осуждение современных ересей. Собор провел 25 заседаний с 1545 по 1563 годы под руководством папы Павла III и его преемников - папы Юлия III и папы Пия IV.
В рамках реформационной кампании, изобразительное искусство и архитектура стали частью, так как Совет установил указания для искусства, изображающего религиозные темы, такие как Безгрешное Зачатие, Вознесение Пресвятой Девы и Благовещение, которые были исключительно зарезервированы для католического догмата, чтобы переопределить значение церкви в общественном сознании.
Однако эти указания также означали, что художники могли быть привлечены к ответственности, если представитель церкви считал их работы, изображающие религиозные темы, оскорбительными.
Вероятно В Палладио является одним из самых ранних примеров использования этих принципов. Вероны, венецианского художника эпохи Возрождения был вызван перед Святым судом, чтобы защитить свою работу – Тайную Вечерю (изображена выше). Ему было предъявлено обвинение в том, что он интегрировал "шутников, пьяных немцев, карликов и других таких странных персонажей" в свою картину.
Когда произведение именовалось "Пир в доме Левия" в контексте ссылки на протестантскую обстановку, в которой присутствовали также и грешники, эту работу считали приемлемой.
Цели католического контрреформационного искусства
Протестантская Реформация выступала против использования изображений в богослужении. Приверженцы Контрреформации аргументировали, что искусство имело учебную цель. Они требовали нового вида визуального изображения, который был бы простым, но драматическим, натуралистическим в изображении и ясным в повествовании.
Лидеры движения заявляли, что искусство должно быть легко понятным и вызывать сильное чувство у простых людей, чтобы способствовать благочестию и внушительному уважению к церкви.
В период средневековья и в эру готики церковь и ее достопримечательности имели огромное значение для искусства, но когда в Европе возникла новая программа поощрения, все изменилось. Новые религиозные ордены, такие как иезуиты, капуцины и кармелиты, входившие в реформационное движение, официально стали важными покровителями искусства.
Этот новый стиль барокко распространился по всей Европе, особенно поддерживаемый католической церковью под руководством Папы Римского и католическими правителями Италии, Франции, Испании и Фландрии. Мощные орденские общины способствовали распространению этого стиля через свои обширные сети монастырей и приходов.
Джакомо Делла Порта
Фото: Chirho / Wikipedia / CC BY-SA 3.0
Архитектор Джакомо Дэлла Порта был из итальянской семьи скульпторов и был учеником и позднее сотрудником Микеланджело и ведущего маньеристского архитектора в Риме, Джакомо Бароцци да Виньола.
Он сотрудничал с Бароцци над строительством церкви "Иль Гезу" (1584) и завершил проект после смерти старшего партнера с новым интерпретированным дизайном. Фасад сократил как количество архитектурных элементов, так и элементов, оставшихся вокруг входа. Это создавало ощущение динамического напряжения, которое посетитель бы ощутил до погружения в просторное внутреннее пространство.
Хотя фасад архитектора был относительно простым по сравнению с более изысканными барочными церквями, построенными позже, эта церковь внесла свой вклад в развитие барочного стиля и до XX века послужила образцом для иезуитских церквей по всему миру.
Болонская школа
В живописи работы Болонской анти-маньеристской школы, возглавляемой Аннибале Карраччи, были первыми, которые были поддержаны в рамках Контрреформации.
Карраччи вместе со своим братом Агостино и их двоюродным братом Людовико основали Accademia dei Desiderosi - небольшую художественную академию, которая подчеркивала эстетические идеалы Возрождения, пропорции, использование рисунков фигур и точное наблюдение. Целью было создание реалистичных, но героических фигур в эмоционально убедительных сценах.
Работы художника привлекли внимание известного защитника и кардинала Одоардо Фарнезе, который вызвал его в Рим и поручил ему роспись потолка Галереи Палаццо Фарнезе, чтобы отпраздновать свадьбу брата кардинала.
Афрески "Любовь богов" (1597-1601), созданные Михелем Карраччи, оказали влияние на барочное искусство за счет введения им метода "Куадро Рипортато", который окружает каждую сцену, делая ее похожей на картины, расположенные на потолке.
Он также использовал метод "Квадратура", включающий мастерскую живопись архитектурных элементов, которые можно увидеть на его картинах, изображающих фигур атлантов, напоминающих скульптуры.
Работы Михеля Карраччи оказали влияние на Гиованни Ланфранко, Гуерчино, Пьетро де Кортона, Карло Маратту и Андрэа Поццо, все они стали знаменитыми художниками потолковых картин в стиле "Квадратура" и "Тромп-л'оель".
Карраччи также оказал значительное влияние на будущую живопись пейзажа и исторических сюжетов, которое можно увидеть в работах французских художников Клода Лоррэна и Николя Пуссена, а также во французском барочном стиле.
Микеланджело Меризи Караваджо
Микеланджело Меризи Караваджо, просто известный как Караваджо, иногда назывался "отцом барочной живописи" из-за своего новаторского подхода.
Обучившись в Милане в доминирующем маньеристском стиле, он быстро разработал свою собственную технику с драматическим контрастом между светом и тенью. Овладение тенебризмом, что означает "темный, загадочный", было таким великим, что ему часто приписывали изобретение этой техники. Его радикальный реализм, с которым он изображал свои сюжеты такими, какие они были на самом деле, был одновременно инновационным и спорным.
Караваджо стал самым известным художником Рима благодаря своим картинам "Мученичество Святого Матфея" (1599-1600) и "Призвание Святого Матфея" (1599-1600), заказанным для капеллы Контарелли.
Караваджо, мученичество святого Матфея, 1599/1600.
Позднее он получил огромное количество религиозных заказов, хотя некоторые из них, в том числе его обращение святого Павла (1600-1601) и смерть Девы (1601-1606), были отвергнуты спонсорами, считавшими его реализм слишком шокирующим.
Тем не менее, его произведение оказало такое влияние, что последующие поколения, принявшие его стиль, стали называться караваджистами или тенеброзами. Его работа повлияла на многих великих художников барокко, включая Питера Пауля Рубенса, Джан Лоренцо Бернини, Хосе Рибейру и Рембрандта ван Рейна.
Высокий барокко
Фото: Sailko / Википедия / CC BY-SA 3.0
Эпоха Франциска Лоуренса Боликьини, созданная величием, акцентированием движения и драматики, началась примерно в 1625 году и продолжалась до приблизительно 1700 года.
Архитектор и скульптор Джан Лоренцо Бернини являлся главным и наиболее влиятельным деятелем этой эпохи, а также определил барочный стиль скульптуры. Его покровитель, кардинал Сципионе Боргезе, был одним из самых богатых и влиятельных мужчин Рима, и его ранние скульптуры были созданы для Боргезского дворца кардинала. Его работы были наглядным реализмом, интенсивными эмоциями и движением, и они открыли новую эру в истории европейской скульптуры.
Основным конкурентом Бернини в архитектуре был Франческо Борромини, чья церковь Сан Карло алле Кватро Фонтане (1624-1646) использовала волнообразные стены, овальную башню и радикально инновационный овальный дизайн для церкви под овальным куполом.
Фото: Архитас / Википедия / CC BY-SA 4.0
Также великолепная фреска с использованием квадратур и тромп-л'ой была характерной чертой раннего барокко и была продемонстрирована в работах Джованни Баттиста Гаулли "Триумф имени Иисуса в церкви Джезу" (1669-1683) и Андреа Поццо "Апофеоз святого Игнатия" (1688-1694), оба находящиеся в Риме.
Поццо также является автором "Перспективы живописи и архитектуры". Она была выпущена в двух томах, сначала в 1693 году, а затем в 1698 году, и оказала влияние на художников и архитекторов по всей Европе до 19 века.
Концепции, стили и проявления в Европе
Испанский барокко
Испанский барокко отличается своим неповторимым стилем, так как в испанской культуре царила унылая и иногда мрачная атмосфера. Восьмидесятилетняя война (1568-1648), в которой испанцы безуспешно пытались сохранить контроль над Нидерландами, и Англо-испанская война (1585-1604), в которой испанская Армада была побеждена в попытке завоевания Англии, иссушили испанские финансы и вызвали экономический кризис. Одновременно католицизм был подвержен тяготам инквизиции.
В архитектуре был подчеркнут размер и богатство церкви, такие как иезуиты, орден, известный как для своего интеллектуального руководства противореформации, так и для своего христианского обращения, разработали экстремальное использование орнаментов для подчеркивания религиозной славы.
Одним из ранних известных примеров была "Capilla de San Isidro" Педро де ла Торре (1642-1669), которая объединяла украшенную внешность с простым внутренним, использующим световые эффекты, чтобы передать ощущение религиозной тайны.
Фото: Jose Ignacio Soto / shutterstock.com
Внимание к барочной декорации стало еще более выраженным, как показывают работы Фернандо де Каса Новос Обрадуейро (1738-1750) или фасад собора Сантьяго-де-Компостела. Этот фасад стал значимым влиянием во всей Европе и испанских колониях в Латинской Америке, поскольку собор, который стал популярным местом паломничества на протяжении веков, является самой известной церковью в Испании.
В испанской барочной архитектуре выдающимся элементом были покрытые золотом алтарные картины, как это показывает алтарь Хосе Бенито Чурригера в церкви Сан-Эстебан в Саламанке (1693 год), использовавший витые колонны и обширное применение золота на сверхизысканной поверхности. Получившийся стиль, который подчеркивает движущуюся поверхность, называется "энталладор" и принят во всей Испании и Латинской Америке.
В отличие от архитектурного акцента на католическую пышность, испанская барочная живопись подчеркивала границы и страдания человеческого существования. Она была известна своим фокусом на реализме, основанном на точном наблюдении, и была меньше заинтересована в театральных эффектах, чем в убедительном смысле человеческой драмы.
Риберас, Святая семья со святой Катариной - это работа, выполненная Караваджо, который оказал влияние на таких художников, как Франсиско Рибальта и Хосепе Рибера. В то время как большинство испанских художников брали chiaroscuro и Тенебризм за основу и развивали свой собственный стиль, Риберас в своей поздней работе подчеркнул слой серебряных оттенков, перекрытых теплыми золотистыми тонами в своей "Святой семье со святой Катариной" (1648).
Бартоломе Эстебан Мурильо создал стиль "эстило вапорисо", который характеризуется нежной палитрой, более мягкими контурами и эффектом парящего серебра или золота. Его произведения включали как религиозные темы, например "Безгрешное Зачатие" (1678), так и жанровые картины, на которых он часто изображал жителей улицы. Его работы были популярны из-за их элегантности и сентиментальности, и в 1660 году он стал соучредителем Художественной академии в Севилье.
Великим достижением Мурильо в его стиле "эстило вапорисо" была способность создавать утонченные и нежные произведения искусства. Этот стиль отличался от других популярных стилей того времени благодаря использованию затенения и эффектов серебра и золота, которые придавали картинам особую магическую атмосферу.
Мурильо также известен своими религиозными произведениями и представлением церковных тем. Наиболее известная его работа, "Безгрешное Зачатие", стала символом искусства и нежности. Картина изображает Деву Марию, окруженную небесным светом и ангелами. Это произведение идейно и чувственно загадочно, позволяя зрителю ощутить связь с духовным миром.
Мурильо также экспериментировал с жанровыми картины, в которых он изображал повседневные сцены и обычных людей. Он выделялся от других художников своим умением передать настроение и характер своих персонажей. В его работах можно увидеть жизненную энергию и внимание к деталям, что делает его жанровые картины особенно привлекательными для зрителей.
В целом, Мурильо оставил яркий след в истории искусства благодаря своему уникальному стилю и таланту передачи эмоций и настроения через свои произведения.
Диего Веласкес, ведущий художник испанского барокко, создал ряд произведений, охватывающих различные темы: жанровые картины, такие как "Старушка варящая яйца" (1618); исторические картины современных событий, такие как "Сдача Бреды" (1634-1634); известные портреты, такие как портрет Иннокентия и "Девочки в гардеробной" (1656).
Начав с тенебризма, он разработал собственную мастерскую технику, которая использовала относительно простую палитру, но акцентировала на тональные вариации и разнообразные мазки кисти.
Французский барокко и французский классицизм
Архитектура являлась доминирующим выражением французского барокко. Во Франции он был назван классицизмом, отклоняясь от украшений в пользу геометрических пропорций и менее сложных фасадов. В то время, как Людвиг XIV пригласил Бернини в 1661 году во Францию представить проект своего дворца Версаля, король вместо этого выбрал классический проект Луи Ле Во с Шарлем Ле Бреном в качестве декоратора. Будучи директором Гобеленовой мануфактуры, творчество Ле Брена оказало влияние на всю Европу.
Зеркальный Зал (1678-1686) в Версале содержал картины Ле Брена и стал стандартом для королевского французского интерьера. Еще одним заметным элементом Версаля были сады, организованные в геометрических сетках, чтобы подчеркивать и отражать архитектуру.
Николя Пуссен, Пейзаж с Орфеем и Эвридикой, около 1650 года
В живописи французские художники также двигались в сторону более классического воздержания. Клод Лоррен, просто известный как Клод, и Николя Пуссен были главными французскими художниками, хотя оба работали в Риме. Работы Клода акцентировались на пейзаже и воздействии света, а его мотивы, будь то религиозные или классические темы, служили только поводом для работы, но не ее фокусом.
Начав живописать в барочном стиле, Пуссен начал развивать свой собственный стиль в середине 30-х годов, так как работы, такие как его "Пейзаж с Орфеем и Эвридикой" (1650-1651), передавали спокойную рациональность, которая приобрела влияние в более позднем развитии неоклассицизма.
Другие французские художники, прежде всего Жорж де ла Тур, были под влиянием тенебризма Караваджо, но отказались от драматических действий и эффектов. Он в основном рисовал религиозные темы, исследовал свет инновационно и использовал геометрические композиции и упрощенные формы, чтобы передать спокойную и задумчивую духовность.
Творчество ла Тура оказало влияние на его время, так как король Людовик XIII, герцог Лотарингии Генрих II и кардинал Ришелье были покровителями его работ.
Великие художники жанровых сцен, такие как братья Ле Нен, также инновационно применяли барочный стиль. Луи, Антуан и Матьё Ле Нен работали над большинством своих произведений вместе, а их сцены жанрового живописи акцентировали реализм повседневной работы, как это видно в "Кузнец в своей мастерской" (около 1639 года).
Русский барокко
Русский барокко также называют петровским барокко, в честь Петра Великого, который способствовал развитию стиля при возведении Санкт-Петербурга, когда он в 1712 году объявил его новой российской столицей. После своего визита во Версаль и замки Фонтенбло 1697-1698 годов, он был вдохновлен французским барокко. Дворец Меншикова (1711-1727) стал заметным примером раннего русского барокко. Ведущими архитекторами стиля были Андреас Шлютер, Готфрид Шадель и Жан-Батист Александр Леблон.
После смерти Петра Великого стиль продолжил развиваться, но стал еще более роскошным и художественным, как задумал ведущий архитектор Бартоломео Растрелли. Затем этот стиль был назван элизаветинским барокко в честь императрицы Елизаветы Петровны, и знаменитыми примерами его являлись Смольный дом (1748-1764) и Зимний дворец (1754-1762).
Фламандская барочная живопись
Живопись была неотъемлемой частью фламандского барокко, и ее особенный характер обусловлен историческими и культурными силами. В 1585 году испанские католические войска отвоевали Антверпен в Фландрии, и католический регион отделился от протестантской голландской республики.
В результате фламандские художники начали рисовать как религиозные сюжеты, так и пейзажи, натюрморты и жанровые работы, которые все еще ориентированы на североевропейскую традицию.
Питер Пауль Рубенс, Снятие с креста, 1600 - 1602
Питер Пауль Рубенс являлся одним из ведущих художников фламандского барокко. Его высокий барочный стиль, известный своим богатым цветовым решением, чувственным избытком и движением, оказал влияние как на его религиозную живопись, например, на Снятие с креста (1614), так и на его нерелигиозные работы, такие как Суд Париса (1636).
Особенно известны и влиятельны его женские акты мифологических и библейских женщин, которые сочетали в себе чувственность с аллегорией и отсылками.
Самым известным учеником Рубенса был Антони ван Дейк, который впоследствии прославился своими портретами, преимущественно возвышенной элегантностью дворцового стиля. В 1630 году он был назначен художником придворной фаворитки принцессы Оранжской и по исключительным связям с королевской семьей стал художником английского двора.
Во времена Золотого Века Нидерландов фламандские художники также изображали жанровые сцены, среди которых наиболее известными были Адриан Брауэр, Якоб Йорданс и Давид Тенирс Младший.
Золотой век Нидерландов
Рембрандт, ночной дозор, 1642 год
Голландский золотой век был единственным примером барочного стиля, применяемого в протестантской области, и поэтому он имел совершенно иной подход к архитектуре и живописи.
Голландский золотой век начался в 1648 году с окончания Тридцатилетней войны, когда Голландская республика, отделившаяся от Испании в 1588 году, наконец получила независимость. В следующие десятилетия Республика, при поддержке своего доминирования в мировой торговле, стала экономическим центром с развивающейся средним классом.
Барокко в нидерландской архитектуре в первую очередь ориентировалось на творчество венецианского архитектора эпохи Возрождения Андреа Палладио, сохраняя некоторые готические элементы, чтобы создать сдержанный монументальный стиль.
Нидерландская живопись сосредоточилась на повседневных сценах, мирских темах и прорывных достижениях в пейзажной, натюрмортной и жанровой живописи. Религиозные сюжеты наиболее часто изображались в гравюрах для иллюстрации библейских текстов. В то же время, несколько нидерландских художников рисовали в барочном стиле с использованием хиароскуро и тенебризма, как показывает шедевр Рембрандта "Ночной дозор" (1642).
Поздние разработки
С появлением рококо в Париже в 1720 году закончилась эпоха барокко. Некоторые эксперты называют рококо "поздним барокко", но оно приняло очень легкий и развлекательный стиль, связанный с жизнью на дворе. Однако в рококо также были важны барокко-художники, так как Рубенс повлиял на многих из ведущих художников рококо.
В течение пятидесяти лет после рококо наступил неоклассический стиль, в результате чего многие барокко-художники стали незначительными. Рубенс и Рембрандт были восстановлены в 18 веке, когда Рубенс повлиял на романтика Теодора Жерико и Эжена Делакруа, а Рембрандт - на импрессионистов и постимпрессионистов. Пейзажи Клода повлияли на Дж.М.В. Тернера, а Веласкес был значительным влиянием на Эдуара Мане, Пабло Пикассо и Фрэнсиса Бейкона.
Как и в случае с Караваджо, гениальный художник, его работы были забыты и вновь открыты лишь в середине 19 века. Возрождение интереса к архитектурному творчеству Бернини было замечено несколькими современными архитекторами, среди которых И. М. Пей, Ричард Мейер и Фрэнк Гери.
Актуальность работ Рембрандта и Рубенса продолжает пронизывать современное искусство, отражаяся в творчестве современных художников, таких как Дженни Сэвилл, Лиза Юксевич и Джон Каррин.
