-
Содержание
Performance Art, или исполнительное искусство, является уникальной формой выразительности, в которой действие, присутствие и взаимодействие исполнителя с публикой играют ключевую роль. В отличие от традиционных искусств, где результат часто остается неизменным, в Performance Art сам процесс выступает в центре внимания.
Одним из ключевых аспектов Performance Art является его неповторимость и непредсказуемость. Каждое выступление – это уникальный момент, который больше не может быть повторен. Исполнитель использует свое тело, голос, предметы и пространство для создания живого и мгновенного искусства.
Целью Performance Art может быть вызвать эмоции, провокацию, рефлексию или коммуникацию. Этот вид искусства часто используется для передачи конкретных идей, передачи социальных или политических сообщений, а также для исследования искусственных или физических возможностей.
Произведения Performance Art могут происходить как в театральных залах, так и на улицах, в галереях или в необычных местах, что делает его доступным для различных аудиторий. Это искусство, которое действительно оживает перед вами, требует вашего присутствия и взаимодействия с действием.
Performance Art продолжает эволюционировать и подстраиваться под современный мир. Исполнители все чаще используют технологии, интерактивность и многомедийные элементы, чтобы расширить свои возможности и эффекты.
Таким образом, Performance Art является живым и открытым искусством, которое позволяет нашему воображению и чувственности расцвести, исследуя границы между реальностью и искусством.
Выступление - это вид искусства, в котором искусство представляется в определенной ситуации и временном периоде, чаще всего художником, иногда с участием других участников или актеров. Художественное выступление играло важную роль в авангарде на протяжении 20-го века и оказало влияние на такие важные движения, как футуризм и дадаизм.
Часто художники обращались к выступлениям, когда были неудовлетворены традиционными формами искусства, такими как живопись и скульптура, чтобы выразить свое заявление.
Важнейшим развитием перформанс-искусства стало его возникновение после конца модернизма и абстрактного экспрессионизма в 1960-х годах и распространилось по всему миру. Перформанс-искусство того времени было особенно сосредоточено на человеческом теле и поэтому часто называлось боди-артом. В этом отражается так называемая дематериализация художественного объекта времени и уход от традиционных средств выражения.
Хотя проблематика перформанс-художников изменилась с 1960-х годов, жанр остался постоянным явлением и был приветствован во многих традиционных музеях и галереях, из которых он когда-то исключался.
Основные идеи перформанс-искусства
Начало перформанс-искусства
Ранние авангарды использовали понятие "исполнительности"
Перформанс искусство XX века имеет свои корни в ранних авангардистских формах выражения, таких как футуризм, дадаизм и сюрреализм. Прежде чем итальянские футуристы смогли показать свои картины, они проводили серию вечерних мероприятий, где читали свои манифесты.
И дадаизм также был организован через серию мероприятий в Кабаре Вольтер в Цюрихе. Эти движения часто организовывали события в театрах, которые ориентировались на стили и традиции варьете и политических выступлений. Однако это делалось в основном для того, чтобы обсудить темы, которые были актуальны в изобразительном искусстве.
Так, например, очень юмористические перформансы дадаизма выражали свою неприязнь к рационализму, мышлению, которое недавно появилось из кубистического движения.
Искусство перформанса послевоенного времени
Истоки движения послевоенного искусства можно проследить в нескольких местах. Непосредственное пребывание композитора Джона Кейджа и танцора Мерса Каннингема в Блэк Маунтин Колледж в Северной Каролине существенно способствовало развитию перформанса в этом нестандартном художественном учебном заведении.
Это также вдохновило Роберта Раушенберга, который тесно связался с Мерс Каннингем Дэнс Компани. Преподавание Кейджа в Нью-Йорке также повлияло на творчество художников, таких как Джордж Брехт, Ёко Оно и Аллан Капроу, которые стали частью импульса за Fluxus-движением и зарождением хеппенингов, оба из которых ставили перформанс в центр своей деятельности.
В конце 1950-х годов в Европе начал развиваться жанр перформанса, отличный от Соединенных Штатов. Многие европейские художники, все еще ощущавшие последствия Второй мировой войны, были разочарованы безликим характером абстрактного экспрессионизма, преобладавшего в искусстве того времени. Они искали новое художественное направление, смелое и вызывающее.
Флуксус стал важным фокусом перформанса в Европе, привлекая таких художников, как Йозеф Бёйс. В следующие годы европейские крупные города, такие как Амстердам, Кёльн, Дюссельдорф и Париж, стали площадкой для сложных постановок.
Акционизм, Гутай, Art Corporel и саморазрушающееся искусство
Другими формами проявления были результатом коллективов, связанных между собой схожими философиями.
Венский акционизм не только определял движение как форму искусства, но и как существенную позицию. Работа акционистов черпала некоторые идеи из американского экшн-пейнтинга, но превращала их в высокоритуальное театральное представление, которое хотело подвергнуть сомнению заметное историческое забвение и вернуться к нормальности в стране, которая недавно была союзницей национал-социализма Гитлера.
Акционисты также протестовали против государственного наблюдения и ограничения свободы передвижения и выражения, и их экстремальные выступления несколько раз приводили к их аресту.
Известным представителем венского акционизма является Герман Нитш. В одной из его перформансов, которую можно найти в видео ниже:
Во Франции Art Corporel разработала авангардное сочетание практик, где язык тела стал центром художественной практики.
В Японии Gutai были первой художественной группой послевоенного времени, отвергающей традиционные стили и вводящей в искусство непосредственность перформанса. Они создавали масштабные мультимедийные миры и театральные постановки, занимаясь отношением между телом и материей.
В Великобритании художники, такие как Густав Мецгер, разработали подход, названный "Авто-деструктивным искусством", при котором объекты были насильственно уничтожены во время публичных выступлений, отражающих холодную войну и опасность ядерного уничтожения.
Развитие феминистского и перформанс-искусства в США
Американское перформанс-искусство в 1960-х и 1970-х годах совпало с появлением феминизма второго поколения.
Художницы обратились к перформансу как к новому конфронтационному средству, способствующему освобождению от разочарования в социальной несправедливости. Это позволило женщинам выразить себя в искусстве таким образом, как им никогда раньше не удавалось.
Художницы использовали благоприятный момент, чтобы развить для себя искусство перформанса, вместо того чтобы проникать в уже установленные, мужчинами доминируемые формы проявления. Они часто занимались тематикой, которую их мужские коллеги еще не касались, и приносили искусству новые перспективы. Со времени начала движения женщины составляют большую часть перформанс-художников.
Вьетнамская война также предоставила важные материалы для перформанс-художников. Художники, такие как Крис Берден и Йозеф Бойс, работавшие в начале 1970-х годов, отвергали американский империализм и допросились политических мотивов.
Концепции и стили перформанс-искусства
Вместо того чтобы искать развлечение, аудитория перформанс-искусства часто ожидает, что будет вызвано и стимулировано. Зрителя могут призвать задать себе вопросы о собственном определении искусства, и не всегда это будет удобным или приятным.
Что касается стиля, многие художники перформанса не вписываются сразу в определенную стилистическую категорию, а другие вообще отказываются классифицировать свои произведения в определенную подкатегорию.
Движение породило разнообразие общих и пересекающихся подходов, которые могли быть определены как акции, боди-арт, показы и ритуалы.
Хотя все это может быть описано и обобщено, их определения, как элементы искусства показа в движении, постоянно развиваются. Так, Ив Кляйн поставил несколько представлений, связанных с движением «Флюксус» и имеющих свойства ритуалов и событий, но его "Антропометрии" также понимаются как искусство тела.
Действие
Термин "действие" является одним из ранних стилей современного искусства показа. Частично он служит для отличия представления от традиционных форм развлечения, но также подчеркивает аспект того, как художники воспринимали свою деятельность.
Некоторые люди любят слово "акция" из-за его открытости, так как любая активность может оказаться выступлением. Например, ранние концептуальные акции Йоко Оно состояли из ряда действий, которые участник мог выполнить.
Искусство тела
Искусство тела разрывает завесу между художником и произведением искусства, размещая само тело в роли актера, средства выражения, выступления и холста, усиливая идею о подлинной перспективе из первого лица.
В атмосфере, после 1960-х годов, в которой меняются социальные нормы и отношение к наготе, тело стало идеальным инструментом для воплощения политических идей. Феминистский искусство возникло в этой сфере, когда такие художники, как Кэроли Шнеман и Ханна Вильке, использовали свои тела в качестве инструментов, чтобы преодолеть разделение между историческими представлениями о женском опыте и новой реальностью.
Некоторые художники, такие как Ана Мендиета и Ребекка Хорн, подвергали сомнению отношение тела к миру в целом, включая его границы. Другие художники, такие как Марина Абрамович, Крис Берден и Джина Пане, применяли насилие к своим собственным телам, что заставляло зрителей задуматься о своем участии в событиях как наблюдателях.
Акция
Искусство стойкости
Хаппенинг был популярной формой выступления, появившейся в 1960-х годах и проводившейся в самых разных местах. Под сильным влиянием дадаизма им требовалось активное участие зрителей и часто они были отличительной чертой импровизационного подхода.
Хотя некоторые аспекты представления были заранее запланированы, увлекательный и импровизационный характер события стремился стимулировать критическое сознание у зрителя и подвергать сомнению представление о том, что искусство должно оставаться в статическом состоянии.
Искусство стойкости
Марина Абрамович, Присутствие художника, 2010 Фото: Андрей Рассет / Фликр / CC BY-SA 2.5
Несколько известных художников испытательного искусства сделали его важной частью своей практики. Это может выражаться в ритуалах, приближающихся к пыткам или насилию, но цель здесь скорее состоит в исследовании тем, таких как человеческая выносливость, решительность и терпение.
Тайваньский художник Тэчин Цзе был важным представителем этого подхода, также как и Марина Абрамович.
Ритуал
Ритуалы часто были важной частью работы некоторых художников испытательного искусства. Например, Марина Абрамович использовала ритуалы во многих своих работах, что делает ее выступления почти религиозными.
Это показывает, что некоторые аспекты художественной практики направлены на разоблачение и приближение искусства к повседневной жизни, но некоторые элементы также пытаются использовать ее как средство повторной мистификации и вернуть ей определенное чувство священного.
Развитие после перформанс-искусства
После успеха перформанс-искусства в 1970-х годах казалось, что это новое и захватывающее движение будет приобретать популярность. Однако, подъем рынка в 1980-е годы и возвращение живописи представляли большой вызов. Галереи и коллекционеры хотели что-то, что можно физически покупать и продавать. В результате, перформанс-искусство утратило свою популярность, но не полностью исчезло.
Особенно женские художницы не были готовы отказаться от своих новых форм самовыражения и продолжали быть продуктивными. В 1980 году было достаточно материала для выставки Десятилетие женского перформанса в Контемпорари Артс Центре, Новый Орлеан. Организованная Мэри Джейн Джейкоб, Мойрой Рот и Люси Р. Липпард выставка представила всесторонний обзор работ, созданных в Соединенных Штатах в 1970-х годах, и включала документацию перформансов в слове и образе.
В 90-х годах западные страны начали принимать мультикультурализм и способствовали возрождению латиноамериканских художников перформанса. Гильермо Гомес-Пенья и Тания Бругера были двумя такими художниками, которые использовали новые возможности международных биенналей и представляли работы об угнетении, бедности и иммиграции.
Перформанс-искусство - это движение, которое эффективно действует в моменты социальных конфликтов и политических потрясений. В начале 90-х годов популярность перформанс-искусства снова возросла, на этот раз под воздействием новых художников и новой аудитории. Были затронуты вопросы этничности, иммиграции, движения квир и эпидемии СПИДа.
Со временем современные художники-перформеры все еще используют разнообразные средства и стили, от инсталляции до живописи и скульптуры. Британская художница Трис Вонна-Митчелл сочетает в себе рассказ, перформанс и инсталляцию. Тино Сегал смешивает идеи из танца и политики в своих перформансах, которые иногда принимают форму диалогов с самими зрителями.
Известные перформансы в истории искусства
Ив Кляйн, "Антропометрии", 1960
Хотя живопись является центральным элементом в практике Ива Кляйна, его подход к ней был aушaус конвенционален. Он стал известен в первую очередь благодаря своим монокромам - особенно тем, которые были окрашены в интенсивный синий оттенок, который в конечном счете был запатентован Кляйном. Однако он также интересовался концептуальным искусством и перформансом.
В своей серии "Антропометрии" он наносил актрисам синюю краску и заставлял их прижиматься к полу и стенам, чтобы создавать свои собственные формы тела. В некоторых случаях Кляйн создавал картины на основе этих акций, в других случаях он просто проводил показ перед элегантной публикой галереи, часто с аккомпанементом камерной музыки.
Уничтожая все барьеры между планирующим художником и картиной, он подвергал сомнению роль художника в создании искусства. Является ли искусством то, что художник не имеет контакта с самим произведением? Является ли искусством то, что люди мажут краску на свои тела и наносят ее на холст?
Йоко Оно, "Разрезанное платье", 1964
«Кусок» Йоко Оно, впервые поставленный в 1964 году, был прямым приглашением к аудитории принять участие в раскрытии женского тела, как это делали художники на протяжении истории. Создавая эту работу в формате живого перформанса, Оно надеялась устранить нейтралитет и анонимность, обычно связанные с объектификацией женщин в искусстве обществом.
Для работы Оно молча сидела на сцене, пока зрители подходили к ней и разрезали ее одежду ножницами. Это заставляло людей нести ответственность за свой вуайеризм.
Это было не только сильное феминистское заявление о опасностях объектификации, но и стало возможностью для художников и аудитории принять роли создателя и произведения искусства.
Марина Абрамович, Ритм 10, 1973
В работе "Ритм 10" Абрамович использует серию из 20 ножей, чтобы быстро проникать в промежутки между разжатыми пальцами. Каждый раз, когда она пронзает свою кожу, она выбирает другой нож из тщательно расположенных перед ней ножей.
После половины времени она начинает воспроизводить запись первой половины часового представления, используя ритмичный удар падающих на пол ножей и свою руку, чтобы повторить те же движения и в то же время порезаться.
Это произведение иллюстрирует использование ритуала в ее работе и показывает то, что художница описывает как одновременность ошибок прошлого и настоящего.
