Поп-арт - искусство доступности и массового производства

Поп-арт - это направление в искусстве, которое развилось в послевоенное время в Великобритании и США. Это направление характеризуется особым интересом к популярной культуре и фантазийной интерпретацией коммерческих продуктов, что привело к новому и доступному пониманию искусства. Работы поп-художников 1950-х и 1960-х годов, от сурреалистических до критических, иллюстрировали современную жизнь.

Кроме самого яркого языка изображений, способ, которым художники обращались к теме, также помогал определить эту художественную течение. Поп-арт известен своими запоминающимися изображениями, яркими цветами и повторяющимся производством искусства, вдохновленным массовым производством.

Содержание

Введение в кратком: Поп-арт

Поп-арт возник в середине XX века одновременно в Великобритании и Соединенных Штатах и отражал общую культурную реакцию на изменяющуюся послевоенное общество.

Великобритания: Независимая группа

Фото: Сара Джексон, выставка "This is Tomorrow", Лондон, 1956 Фото: Зелечин / Википедия / CC BY-SA 3.0

В 1952 году группа художников в Лондоне, назвавшая себя Independent Group, начала регулярно встречаться, чтобы обсудить такие темы, как место массовой культуры в изобразительном искусстве, обжет-труве, а также науку и технологию.

Среди участников были Эдуардо Паолоцци, Ричард Хэмилтон, архитекторы Алисон и Питер Смитсон, а также критики Лоуренс Алоуэй и Рейнер Бэнхэм. В Великобритании ранних 1950-х годов еще ощущалась строгость послевоенного времени, и его граждане относились к американской популярной культуре двояко.

Группа была насторожена по отношению к коммерческому характеру, но восторженно относилась к многообразию мировой поп-культуры, которая казалась многообещающей для будущего.

Они подробно обсуждали западные фильмы, научную фантастику, комиксы, плакаты, дизайн автомобилей и рок-музыку.

Примечание: Термин "поп-арт" имеет несколько возможных источников происхождения: первое письменное упоминание этого термина приписывается как Лоуренсу Аллоуэю, так и Элисон и Питеру Смитсонам.

Одним из источников названия феномена Поп-арт также является Ричард Гамильтон, который внес это понятие в одном из своих писем, тогда как первое произведение искусства с надписью "Поп" было создано Паолоцци. Его коллаж "Я был игрушкой богатого человека" (1947) включал раздробленные изображения пинап-девушки, логотип Coca-Cola, вишневый пирог, бомбардировщики времен Второй мировой войны и мужскую руку с пистолетом, из которого слово "POP!" взрывно возникало в пузырчатом белом облаке.

Нью-Йорк: Зарождение неодады

Середина 1950-х годов стала решающим периодом для художников, работающих в Нью-Йорке, в современном искусстве: либо они следовали абстрактным экспрессионистам, либо отвергали суровый формализм, присущий большинству течений модернизма.

В то время Джаспер Джонс уже нарушал конвенции с абстрактными картинами, которые включали в себя ссылки на них: "вещи, которые разум уже знает" - флаги, отпечатки рук, буквы и цифры.

В так называемых "Combinations" Роберта Раушенберга сочетались найденные объекты и картинки с более традиционными материалами, такими как масляная краска.

Также Аллан Капро и движение Флюкс решили интегрировать аспекты окружающей среды в своё искусство.

Эти художники, вместе с другими, позже были объединены под термином "Неодада".

Классическое нью-йоркское поп-искусство, представленное сегодня художниками, такими как Рой Лихтенштейн, Клаус Олденбург, Джеймс Розенквист и Энди Уорхол, возникло в 1960-х годах в послешествии неодадаистов.

Концепции и стили Поп Арта

Хотя художники группы «Независимая группа» из Лондона стали инициаторами, американские художники вскоре последовали и также интегрировали элементы популярной культуры в своё искусство.

Несмотря на то, что стили отличаются друг от друга, все художники объединяются общей темой выбора изображений из популярной культуры.

После того, как поп-арт достиг американского искусства, в Германии и Франции также развились континентально-европейские варианты.

Вот некоторые из важнейших художников поп-арта с примерами их работ:

Ричард Хэмилтон и Эдуардо Паолоцци

Поп-арт коллажи Паолоцци и Хэмилтона передают смешанные чувства европейцев по отношению к американской поп-культуре, которые как выделяют массово производимые объекты и изображения, так и критикуют излишки.

Участники "Независимой группы" были первыми художниками, представлявшими изображения из массовых СМИ и тем самым вводили вызовы для традиционных жанров искусства в Америке и Великобритании после 1945 года.

Рой Лихтенштейн и популярная культура

Лихтенштейн доказал, что он может соответствовать требованиям значимой композиции, хотя его темы и мотивы черпались из комиксов. Помимо использования изображений из этих массово производимых комиксов, Лихтенштейн также применял техники, с помощью которых создавались изображения в комиксах, чтобы создавать свои картины.

Он использовал не только яркие цвета и четкие контуры из комиксов, но и применил точечную технику Benday: маленькие точки печати, которые использовались для изображения цвета в массово выпускаемых комиксах.

Гемальти Лихтенштейна, фокусирующиеся на отдельном кадре внутри комикса, не являются точными репродукциями, а скорее творческой реконструкцией композиции художником, который добавляет или удаляет элементы, изменяет масштаб и изменяет текст.

Проводя акварельными красками основные рисунки Лихтенштейна, предварительно выполненные на машине, и перерисовывая сцены из комиксов, он размывает границы массовой репродукции и высокого искусства.

Джеймс Розенквист и его монументальные произведения

Джеймс Розенквист также обращался к произведениям популярной культуры в своих картинах.

Однако вместо того, чтобы копировать, Розенквист создавал новое, соединяя сюрреалистические образы продуктов и знаменитостей и часто вкладывая политические послания.

Частью его метода было использование фрагментов рекламных объявлений из журналов и серий фотографий в коллажах, которые затем служили основой для окончательных произведений.

Обучение Розенквиста как плакатиста идеально сочеталось с его реалистическим изображением этих коллажей, которые он превращал в монументальные работы огромного размера. С его работами, часто превышающими пять метров в высоту и ширину, Розенквист придал обыденному предмету статус, который ранее присущ только высокому искусству.

Анди Уорхол и искусство повтора

Andy Warhol был американским художником, революционизировавшим мир искусства в середине 20 века. Его гениальность заключалась в умении создавать произведения искусства, основанные на принципе повторяемости.

Уорхол популяризировал идею, что искусство может быть создано не только в единичном экземпляре, но и массово воспроизводиться. Он нашел красоту в банальных и повседневных предметах, превращая их в объекты искусства.

Известнейшим примером его работы является серия образов Marilyn Monroe. Уорхол воспроизводил одно и то же изображение Мэрилин Монро несколько раз, используя разные цвета и техники. Этот повторяющийся образ символизировал не только поп-культуру, но и коммерцию, которая была вечной темой его творчества.

Идея повторяемости стала сильным выражением потребительского общества, в котором все множество одинаковых объектов и ярких рекламных знаков. Уорхол, используя массовую продукцию и повторение изображений, осмеял мир коммерции, одновременно становясь его частью.

Его искусство встретило смятение и непонимание со стороны некоторых критиков, которые рассматривали его работы как низкую культуру и считали их несерьезными. Однако, время показало, что Уорхол был великим видением своего времени. Его работы не только изменили понятие искусства, но и оказали огромное влияние на современную культуру.

Таким образом, Andy Warhol стал истинным гением искусства повтора. Его работы стали символом эпохи и продолжают вдохновлять современных художников в их творчестве.

Фото: Крис Беккетт / Фликр / CC BY-NC-ND 2.0

Энди Уорхол, в первую очередь, известен своими яркими портретами знаменитостей, но тематика его работ сильно менялась на протяжении его карьеры.

Основным мотивом различных тем является вдохновение потребительской культурой.

Его ранние работы изображают предметы, такие как бутылки Coca-Cola и банки Campbell's, которые воспроизводятся снова и снова, словно стены галереи - полка супермаркета.

Уорхол перешел от ручной живописи к шелкографии, чтобы сделать масштабную репродукцию поп-артовых изображений еще проще.

Упор на механическую репродукцию, сделанный Уорхолом, отвергал представления о художественной аутентичности и гениальности.

Вместо этого он осознал коммерциализацию искусства и доказал, что картины не отличаются от консервных банок Campbell; оба имеют материальную ценность и могут быть куплены и проданы как потребительские товары.

В портретах, таких как "Мэрилин Диптих" (1962), он сравнил массовый статус потребительских товаров со статусом знаменитостей.

Клаэс Олденбург и поп-скульптура

Известный своими монументальными общественными скульптурами повседневных предметов, Клас Олденбург начал свою художественную карьеру в намного меньшем масштабе.

В 1961 году он арендовал витрину в Нью-Йорке на один месяц, где создал и продал свои скульптуры повседневных объектов из проволоки и гипса, от выпечки до нижнего белья для мужчин и женщин, в рамках инсталляции под названием The Store. За каждую работу он взимал фиксированную сумму, что подчеркивало его комментарий о роли искусства как товара.

После The Store он начал создавать мягкие пластмассовые скульптуры, изготавливая крупные повседневные предметы, такие как кусок торта, мороженое или миксер, часто из ткани, чтобы конечный результат схлопывался, как спущенный шар.

Независимо от масштабов своей деятельности, Oldenburgs всегда сохраняет игривое отношение в работе, создавая новые варианты обычных предметов в нестандартной форме, чтобы оживить ожидания зрителя.

Поп-арт в Лос-Анджелесе

В отличие от Нью-Йорка искусственный мир Лос-Анджелеса был гораздо более гибким без установленных галерей, критиков и иерархий Восточного побережья.

Эта открытость отражается в стилях художников, которые там жили и работали.

Первая музейная оценка поп-арт - Новая живопись общедоступных объектов - прошла в 1962 году в музее искусства Пасадена и показала Ворхола и Лихтенштейна, а также многих художников, живущих в Лос-Анджелесе, таких как Эд Руша, Джо Гуд, Филипп Хеффертон, Уэйн Тибо и Роберт Дауд.

Отказываясь от определенных товаров потребления, художники поп-арта позволили себе выйти за пределы простой репродукции, чтобы интегрировать опыт и вызвать определенное чувство, отношение или идею, одновременно смещая границы между искусством высокой культуры и популярной культурой.

Эд Руша и его знаки

Эд Руша был одним из важнейших художников поп-арта в Лос-Анджелесе, работавший в различных средах, большинство из которых типично были напечатаны или нарисованы.

Руша подчеркивал вездесущность рекламных вывесок в Лос-Анджелесе, используя слова и фразы в качестве сюжетов в своих ранних картинах поп-арта.

Популярная культура стала первым эталоном в его работе, художником, его полотном "Большой Товарный Знак с Восемью Прожекторами" (1962). В этой работе он изобразил логотип 20th Century Fox в упрощенной композиции с жесткими краями, напоминающей мультяшный стиль.

Исследование Руша широкого спектра повседневных образов и тем превосходило обычную репродукцию, а исследовало взаимозаменяемость изображения, текста, места и опыта.

Капиталистический реализм в Германии

В Германии капиталистический реализм был антиподом американского поп-арт.

Группа была основана в 1963 году Сигмаром Полке и включала таких центральных участников, как Герхард Рихтер и Конрад Люг.

Капиталистические реалисты стремились раскрыть «консюмеризм и поверхностность современного общества», используя в своем творчестве изображения и эстетику популярного искусства и рекламы.

Польке исследовал творческие возможности механической репродукции, Луег исследовал образы поп-культуры, а Рихтер в то время в основном занимался фотографией.

Нуво Реализм во Франции

Во Франции аспекты поп-арта были присутствуют в Нуво Реализме, движении, основанном критиком Пьером Рестани в 1960 году. Заявление было подписано девятью художниками в мастерской Ив Кляйна, которые согласились с прямым использованием массовой культуры.

Такой подход можно наблюдать в работах Вильльгле, чья техника "Декольяж" заключается в том, чтобы разрезать слои афиш, чтобы создать новое изображение. В то время как движение отражает интересы американских поп-художников к коммерческой культуре, многие из них больше занимались объектами, чем живописью.

Важными представителями этого движения были Ив Клейн, Жан Тенгли, Франсуа Дюфрен, Раймон Ан, Ники де Сен-Фал и Христо.

Важные произведения поп-арта

Ричард Гамильтон: Вот что делает наши дома сегодня такими разными, такими привлекательными? (1956 год)

Этот коллаж, созданный в 1956 году, считается катализатором распространения поп-арт в Великобритании. Британский художник Ричард Гамильтон разработал работу для выставки This is Tomorrow, особого мероприятия в лондонской галерее искусства Whitechapel, где представлены интерпретации модернизма и прогнозы будущего современного искусства.

Работа включает несколько тем, связанных с коммуникациями, которые Гамильтон предусмотрительно проработал. Используя вырезки из американских журналов, он создал сцену, основанную на мотивах популярной культуры, превращая их в произведение искусства и комментируя различные влияния, которые начали оказывать влияние на послевоенную Великобританию.

Энди Уорхол, 32 банки супа (1962 год)

В 1962 году американский художник Энди Уорхол впервые занялся известной темой консервной банки с супом. Работа состоит из 32 ручной работы и ручной печати холстов, каждый из которых изображает разные вкусы супа Campbell's.

Уорхол, ведущий художник поп-арта, выбрал эту тему, потому что она акцентирует внимание на массовом производстве и его собственном художественном интересе к повторению.

Вскоре после создания этой коллекции картин Уорхол продолжил экспериментировать с темой консервной банки и идеей репродукций. Однако с этими последующими работами он перешел от живописи к технике шелкографии, методу печати, широко используемому в коммерческом производстве рекламы.

Рой Лихтенштейн, WHAAM! (1963)

Рой Лихтенштейн, художник, известный своими красочными произведениями искусства, вдохновленными комиксами, придал поп-арту анимированный и энергичный акцент.

Одной из его самых известных работ является Whaam!, которая воспроизводит сцену из популярной серии "All American Men of War", опубликованной в DC Comics c 1956 по 1966 год.

Whaam! похож на открытую страницу комикса и представлен в виде двух панелей. На левой стороне диптиха один самолет стреляет в другой, занимающий всю правую сторону произведения, с криком "WHAAM!".

Хотя композиция оригинального изображения заметно схожа, Лихтенштейн изменил несколько деталей: он сменил дизайны самолетов, убрал речевой пузырь и изменил цветовую схему.

Эти небольшие изменения говорят о более глобальной цели Лихтенштейна - персонализации этих массовых произведений искусства. "Я не рисую картину, чтобы ее воспроизвести - я делаю это, чтобы перекомпоновать", - объяснил он.

Роберт Раушенберг, "Ретроспективная II" (1964)

Роберт Раушенберг, известный своим уникальным подходом к материалам, внес свой вклад в поп-арт с помощью своих комбинаций и коллажей. Одной из самых запоминающихся работ, вдохновленных поп-культурой, является Ретроспективная II, ситопечать, созданная в 1964 году.

Ретроспективный II напоминает коллаж и показывает важные изображения того времени, включая портрет Джона Кеннеди и астронавта НАСА. В дополнение к этому, композиция произведения, его фотографическое вдохновение и искусственная цветовая палитра идеально сочетаются с эстетикой поп-арт.

Дэвид Хокни, Большой всплеск (1967)

Во второй половине 1960-х годов британский художник Дэвид Хокни посвятил свои картины, вдохновленные поп-культурой, уникальной теме: бассейну.

После поездки в Калифорнию, он вдохновился чистыми линиями, современной эстетикой и популярностью бассейнов в пригородах.

Весной 1967 года он закончил свою самую известную картину с бассейном: "Большой всплеск". В центре произведения находится бассейн, всего лишь с одним современным домом, складным стулом и двумя пальмами на заднем плане. Простая доска для прыжков висит над гладкой поверхностью воды, затемненной брызгами.

Клаэс Олденбург и Коосйе ван Бругген, "Ложка и вишня" (1985-1988)

Поп-арт пара Клайс Ольденбург и Коосье ван Бругген празднуется за свои гигантские наружные скульптуры. К их самым известным произведениям относится «Ложка и вишня», огромное изображение блестящей красной вишни, балансирующей на оболочке стилизованной ложки.

Играя с масштабами и выбирая такие простые темы, Ольденбург и ван Бругген превращают массово произведенные объекты в уникальные произведения искусства.

Кит Харинг, Незнание = Страх (1989)

Кит Харинг был американским художником и социальным активистом, известным своим многослойным вкладом в уличную культуру Нью-Йорка 80-х годов. Он сочетал поп-арт с граффити, делая его еще доступнее и неизбежным для публики.

Одна из работ, которая отражает свой собственный вдохновленный активистами подход к искусству - это Невежество = Страх, выпущенная в 1989 году. Харинг разработал и создал эту постерную работу для Американской коалиции по борьбе с СПИДом, организации, базирующейся в Нью-Йорке.

Обновив древнее мантру трех обезьян "не видеть, не слышать, не говорить", Харинг комментирует опасности молчания во время эпидемии СПИДа. Несмотря на свою серьезность, постер выполнен в ярких тонах и графическом стиле, демонстрируя адаптируемость и безграничные возможности поп-артa.

Влияние на мир искусства

Концептуальное искусство начала 1970-х годов взяло верх над поп-артом, придерживаясь направлений инсталляционного и перформанс искусства.

Тем не менее, в конце 1970-х и начале 1980-х годов произошло возрождение живописи, и объект искусства снова стал важным, а поп-культура предлагала темы, которые были легко узнаваемы и понятны для зрителя.

Влияние поп-арта оставалось сильным, и многие художники, включая Уорхола, продолжали играть важную роль в искусствоведении Нью-Йорка вплоть до 1980-х годов.

Один из самых важных художников движения "Нэо-поп" - Джефф Кунс, чье включение поп-культурных икон, таких как Майкл Джексон, и массово производимых объектов, таких как пылесосы, расширяет границы высокого искусства.

В Японии работы Такаши Мураками были названы последним примером "Нэо-попа", что объясняется его использованием популярных аниме-изображений в его стиле "Суперфлэт" и успешным сотрудничеством с модными брендами, такими как Louis Vuitton.

Такие художники продолжают преодолевать границу между высоким и низким искусством, переоценивая роль искусства как товара.

Часто задаваемые вопросы

Каковы характеристики поп-арта?

Вот 5 основных характеристик поп-арта:

|