Известные картины истории искусства

Если вас интересует искусство, то вам следует знать некоторые известные картины. Причины, по которым отдельные произведения искусства становятся известными и восхищают своих зрителей на протяжении веков, многочисленны.

Во многих случаях это комбинация различных факторов, таких как:

  • Уникальность и оригинальность работы;
  • Импрессионистический стиль;
  • Историческое значение и контекст;
  • Техническое мастерство художника;
  • Символика и эмоциональная сила картины;
  • Влияние искусствоведов и критиков;
  • Известность автора и его других произведений.

Чтобы получить представление о том, какие картины, по крайней мере, стоит увидеть, ниже приведены 30 работ с XV по XX век.

Ян ван Эйк, Портрет Арнольфини, 1434 год

Ян ван Эйк, Свадьба Арнольфини, 1434

Шедевр Яна ван Эйка показывает итальянского купца и его партнершу в домашней обстановке. Это знаменитая картина относится к Северному Возрождению и считается ранним примером масляной живописи, когда этот материал еще не был столь развит, как несколько лет спустя.

Помимо мастерского использования средства изображения, она впечатляет зрителей обширной символикой, на основе которой можно выдвигать множество гипотез. Самые важные теории мы суммируем в нашем анализе портрета.

Также перспективная точка исчезания в то время не была широко распространена. В домашней сцене портрет Арнольфини считается пионером использования этой перспективы.

Знаменитые картины Возрождения: Сандро Боттичелли, Примавера, 1482

Сандро Боттичелли, «Весна», 1482

На картине изображено множество людей, собравшихся в апельсиновом саду.

Хотя кусты слева и справа создают определенную перспективу окружающей среды, но мы не видим линейной перспективы, которую использовали некоторые художники раннего Ренессанса в 15 веке.

Обратите внимание, что конечности большинства фигур длинные и худые, что придает им изящный вид.

Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры», 1484 - 1486

Сандро Боттичелли, Рождение Венеры, 1484–1486 гг.

Рождение Венеры было первым полностью выполненным произведением не религиозной тематики и было создано для известного флорентийского покровителя Лоренцо Медичи.

Однако обнаженное изображение Венеры вызвало неодобрение у некоторых. Доминиканский монах Джироламо Савонарола организовал "погребение тщеславия". В 1497 году во Флоренции были сожжены различные произведения искусства, которые нравились светским вкусам их заказчиков, но не нравились церкви. Также Рождение Венеры было обречено на сожжение.

Однако это монументальное полотно чудом избежало этой участи. Сегодня это 1,72 м x 2,78 м крупное темперное полотно можно увидеть в Уффици.

Известные картины: Иероним Босх, Сад наслаждений, примерно 1490-1510 гг.

Геронимус Босх, “Сад наслаждений”

Это странное, загадочное трептих, которое уникально в своем роде. Картина показывает прогресс греха, от появления человека в Эдемском саду до его конца в аду. Точнее, она изображает часть истории творения из Бытия.

На боковых крыльях изображена Земля, символизирующая создание ее Богом, перед тем как она была заселена людьми и животными.

Местами неясная, фантастическая символика показывает существ, которых трудно представить себе. Вероятно, это чистая креативность и фантазия художника, которые помогли этой работе, созданной по заказу церкви, стать популярной.

Мона Лиза, Леонардо да Винчи, 1502-1506

Леонардо да Винчи, Мона Лиза, ок. 1502 - 1506

Таинственное портрет Моны Лизы сопровождается двумя вопросами с момента его создания: кто эта женщина и почему она улыбается так мягко? Сегодня считается, что Мона Лиза - это жена купца Франческо ди Бартоломео дель Джокондо: Лиза дель Джокондо.

В 2005 году обратили внимание на записку Агостино Веспуччи, в которой описывается, как Леонардо да Винчи работал над портретом женщины.

Взгляд и улыбка Моны Лизы характеризуются спокойствием, которое захватывает зрителей уже много веков. Вместе с атмосферной перспективой заднего плана картина образует мистическое произведение искусства, которое считается самой известной картиной в мире и ежегодно привлекает миллионы посетителей в Лувр.

Ханс Гольбейн младший, Послы, 1533

Картина "Послы", созданная Хансом Гольбейном младшим в 1533 году, является одной из самых известных работ художника. Она изображает двух посланников, представляющих Священную Римскую империю и Святой Римской Церкви, среди разнообразия предметов и символов.

Атмосфера картины наполнена множеством деталей: от листов музыкального нотного сборника до горизонтали челости мертвого черепа, от геометрической точности изображений до замысловатой перспективной искаженной формы на переднем плане. Эта картина - искусство в полной мере, сочетающее в себе техническое мастерство и смысловую глубину.

Один из посланников представляет благородство, чувственность и богатство. Он воздерживается от мира смерти и земных забот, предлагая цветы и фрукты, символизирующие изобилие и достаток. Второй посланник, наоборот, представляет знание и науку, демонстрируя разнообразные математические и географические инструменты.

Несколько интересно, что Ханс Гольбейн младший превратил свои посланников в реальных людей, а не в идеализированные образы. Они лица с ярко выраженными чертами, с глазами полными жизни и осмысленности. Это говорит о том, что художнику было важно запечатлеть реальность и непосредственность их натуры, а не создавать идеализированных героев.

В целом, картина "Послы" является шедевром эпохи Ренессанса, демонстрирующим идеалы и ценности того времени. Это произведение искусства вызывает у зрителя размышления о важности знания, мудрости и изобилии в жизни человека.

Автором картины "Die Gesandten", написанной в 1533 году, является Ханс Хольбейн младший. Это двойной портрет двух французских посланцев. Шедевр заполнен символикой и показывает множество предметов, указывающих на образование, богатство и интересы обоих героев.

Искаженный перспективой череп внизу картины является "Memento mori", напоминающим зрителя о преходящей природе жизни. Тщательно проработанные детали научных инструментов, тканей и религиозных символов отражают интерес эпохи Возрождения к знаниям и слиянию мирских и священных элементов.

Мастерское использование света и тени Хольбейном придает работе некую натуралистичность, что делает ее шедевром северного ренессансного искусства.

«Die Kornernte, Pieter Bruegel der Altere, 1565» - это картина фламандского художника Питера Брейгеля Старшего. Работа была выполнена в 1565 году.

На этой картине изображено поле, где происходит жатва зерна. Группы фермеров собирают золотистые колосья пшеницы, которые гибнут под их могущественными серпами. Пейзаж окружающего места также привлекает внимание: на заднем плане видны горы, лес и дома. Все это создает общую картину из живописной сельской местности и жизни людей, зависимых от природы и их труда.

Одна из особенностей этой картины - это то, что она передает не только физический труд фермеров, но и их экзистенциальные переживания. На некоторых лицах можно увидеть усталость и муки, что указывает на сложности и трудности, с которыми они сталкиваются в своей повседневной жизни.

Брейгель воспользовался характеристиками своего времени, чтобы создать эффектный контраст между бурной деятельностью фермеров и спокойствием природы вокруг них. Он также использовал яркий цветовой палитр для подчеркивания насыщенности и жизненности мира вокруг.

Картина «Die Kornernte» - это как глазок в жизнь и труд наших предков, которые сгрудились вместе, чтобы обрабатывать землю и собирать урожай. Она напоминает нам о важности и ценности труда, о его тесной связи с природой.

Питер Брейгель старший, Жатва зерна, 1565 год

Изображение Брейгеля простого человека во время сбора урожая считается одним из самых значимых произведений западного искусства.

Эта композиция была одной из шести картин его цикла времен года.

Группа фермеров слева собирает пшеницу, в то время как другая группа мужчин обедает. Фигура с расстегнутыми штанами прислонилась к дереву и отдыхает.

Особенностью является точность изображения ландшафта. В то время, когда пейзажи в основном использовались в качестве фона для религиозных произведений, мирская работа Брейгеля выделялась.

Караваджо, Призыв святого Матфея, 1599/1600 годы

Караваджио, Призыв св. Матфея, 1600

Призыв святого Матфея Караваджио - одно из центральных произведений барокко.

Своей манерой рисования с игрой света и тени он глубоко повлиял на историю искусства, придавая своим персонажам больше драматизма.

Призыв святого Матфея - одна из известных картин Рембрандта, где он совершенствует технику хиароскуро, как она называется в профессиональной среде.

Артемизия Джентилески, Иудит и Олоферн, 1610

Артемизия Джентилески, Иудит и Олоферн, 1614 - 1620

Когда Иудит, верующая молодая женщина из города Ветулия, обезглавила Олоферна, вождя ассирийских войск, осаждавших ее город, кровь потекала ручьями по белым тканям.

Иудит, движимая бедствием своего народа и упованием на Бога, взяла ситуацию в свои руки и спасла своих сограждан от безнадежной судьбы.

Как одна из немногих художниц того времени, творчество Артемизии Джентилески столь значимо.

Известные картины барокко: Рембрандт ван Рейн, Ночная стража, 1642

Рембрандт ван Рейн, "Ночной дозор", 1642 год

Живопись "Ночной дозор" Рембрандта 1642 года - это монументальный групповой портрет, заказанный амстердамской гражданской гвардией.

На картине изображена динамичная сцена, на которой члены милиции собираются. Рембрандт использует драматическое использование света и тени, чтобы выделить главных героев в композиции. Центральной фигурой является капитан Франс Баннинг Кок, и Рембрандт искусно постановляет группу, чтобы создать ощущение движения и безотлагательности.

Яркие фигуры, выделяющиеся на темном фоне, подчеркивают живость персонажей и позволяют Рембрандту продемонстрировать свое мастерство в игре света и тени. Общая композиция отражает энергию и товарищество гражданской милиции в Золотой эпохе Нидерландов.

Лас Менинас, Диего Веласкес, 1656 год

Диего Веласкес, Лас Менинас, 1656

Диего Веласкес был придворным художником испанского короля Филиппа IV. Это монументальное произведение вызывает много вопросов, поэтому оно стало известным не только благодаря виртуозной технике живописи.

На картине изображена испанская королевская семья, стоящая в художественной мастерской. Веласкес изображает себя сидящим перед полотном. На заднем плане видна подсвеченная картина королевской пары на стене.

Однако это также может быть просто зеркало. Позиция королевской пары не ясна для зрителя.

Ян Вермеер, Девушка с жемчужной сережкой в ухе, 1665

Живопись Яна Вермеера, изображающая молодую женщину, настолько удивительно проста, но при этом настолько натурально выполнена, что почти страшно, как художнику удалось достичь этого шедевра в относительно небольших размерах.

Вермер изображает загадочную девушку, которая оглядывается через плечо. Ее взгляд направлен прямо на зрителя. Аппетитное серьга выделяется и привлекает внимание.

Более точно говоря, это не портретная живопись, а "трони", изображение анонимного лица, акцентирующее внимание на чертах лица субъекта. Из-за этого картина окружена определенными спекуляциями относительно личности девушки, которые, вероятно, уже никогда не будут разрешены.

На картине "Тод Марата" (1793 год) французского художника Жака-Луи Давида изображена сцена гибели Жан-Поля Марата, одного из важнейших деятелей Французской революции.

Давид изобразил Марата в ванной, где он принимал лечение от своей болезни, с кровавым ножом в сердце. Художник передал лицо Марата с выражением мучения и смертельной страданья, а также окружающее его тихое и безмолвное пространство.

Это произведение искусства вызывает глубокие эмоции у зрителя, передавая бессилие и страдание погибшего революционера. В то же время, оно является свидетельством широко распространенного насилия во время Французской революции и отражает драматизм и трагедию этого периода истории.

Используя выразительные техники и глубокую символику, Давид создал произведение, которое до сих пор остается одним из самых значимых произведений искусства, а его влияние на последующие поколения художников является неоспоримым.

Жак Луи Давид, Смерть Марата, 1793

Смерть Марата, написанная Жаком Луи Давидом в 1793 году во время Французской революции, изображает убийство радикального журналиста и революционного лидера Жана-Поля Марата. Марат, страдающий кожным заболеванием, изображен в банной комнате, где его убивает Шарлотта Корде.

Композиция проникающая и эмоциональная, поскольку Марат изображается как мученик революционного движения. Давид использует драматическое освещение, чтобы подчеркнуть трагический характер смерти Марата, и сцена пронизана патосом и героизмом.

Это полотно является как почтением Марату, так и призывом продолжать борьбу за революцию.

Большая Одалиска, Жан Огюст Доминик Ингр, 1814

Джан Доминик Ангр, Большая Одалиска, 1814 год


По заказу сестры Наполеона, королевы Каролины Неаполя, "Большая Одалиска" представляет собой разрыв художником с неоклассическим стилем, с которым он идентифицировался большую часть своей карьеры.


"Большая Одалиска" может быть отнесена как к маньеризму, так и к романтизму. Целью романтизма было выдвижение эмоциональной реакции зрителя на первый план и подавление неоклассических идеалов.


Анатомия Одалиски вызывает некоторое любопытство: искусствоведы полагают, что поясничные позвонки были изображены на два позвонка длиннее.


То, что изначально было принято с насмешками ведущими деятелями искусства, со временем стало самой известной картиной Ангра.

«Свобода ведет народ», картина Эжена Делакруа, 1830 год

Гюстав Курбе, -- "Шедевр" французского импрессионизма и общей европейской культуры!

"Шедевр" -- это, пожалуй, одна из самых знаменитых картин Курбе. Она изображает пейзаж с тюльпанами, изысканный и живописный. Эта картина демонстрирует богатство и изысканность европейских садов и вызывает ощущение радости и восторга.

Картина была выставлена на продажу в Париже, но никто не был готов заплатить нужную сумму за такую живопись. Но Курбе не сдавался и не отчаивался. Он верил в свой талант и в свою картины, и в итоге она нашла своего любителя и покупателя.

Счастье для нас, что в наше время мы можем увидеть эту знаменитую картину в музее Лувр.

Знаменитые картины: Клод Моне, Водяные лилии, 1916

Эдуард Мане, Олимпия, 1863 год

Романтический пейзаж Тернера "Бой темэрэра" символизирует конец эпохи: паровое судно буксирует снятый с вооружения боевой корабль в порт.

Это известное полотно типично для уникального стиля Дж.М.В. Тернера, известного своими туманными пейзажами и морскими сценами. Дж.М.В. Тернер - один из первых художников, работавших с цветовой абстракцией своих в прочем фигуративных сцен и таким образом внесший важный вклад в развитие современного искусства.

В 21 веке "Бой темэрэра" был выбран в опросе как самая любимая картина среди англичан.

Эдуард Мане, Олимпия, 1863 год

Эдуард Мане, Олимпия, 1863

Олимпия Мане, центральное произведение в переходе от реализма к импрессионизму, шокировала публику дерзким изображением голой женщины, подвергая сомнению конвенции красоты и морали.

Знаменитая картина сейчас находится в Парижском музее д'Орсе и не должна быть забыта при посещении французской столицы.

Импрессия, восход солнца, Клод Моне, 1874

Ausschnitt: Моне, Импрессия, Восход солнца, 1872

Определяющая черта импрессионизма - Клод Моне - наделил это движение его произведением именем.

Известная световая импрессия восхода солнца в гавани Ле-Авра, родной для Моне, изображает солнце в виде оранжевого круга, лучи которого проникают сквозь расплывчатое смешение голубого воды и неба.

Жорж Сера, Воскресный день на острове Ла Гранд-Жатт, 1884-86

Жорж Сёра, "Воскресный день на острове Ла Гранд-Жатт", 1884-1886

Произведение Жоржа Сёра "Воскресный день на острове Ла Гранд-Жатт", созданное между 1884 и 1886 годами, является шедевром постимпрессионизма.

Картина показывает радостную сцену на берегу Сены в Париже, где группа людей наслаждается воскресным днем в парке. Сёр применяет крохотные точки разных цветов, чтобы создать ощущение оптического слияния, технику, известную как пуантилизм.

Композиция является очень структурированной, а фигуры гармонично расположены на холсте. Этот инновационный подход к цвету и технике отражает преданность Сера научным принципам цветоведения и является важным вкладом в движение постимпрессионизма.

Звездная ночь, Винсент ван Гог, 1889 год

Винсент ван Гог, Звёздная ночь, 1889 год

Звёздная ночь - это, пожалуй, самая удивительная картина Винсента ван Гога. Он написал её в учреждении в Сен-Реми, куда он сам попал в 1889 году.

На картине изображено бурное эмоциональное состояние ван Гога, за год до его самоубийства. Вихревые цветные полосы и живая манера нанесения кисти показывают разрыв в его личности.

Известные картины: Эдвард Мунк, Крик, 1893

Эдвард Мунк, Крик, 1893

Знаменитая картина Эдварда Мунка "Крик" 1893 года - это проникновенное изображение существенных страхов и душевных потрясений.

Основная фигура с искаженным лицом и сжатыми кулаками стоит на мосту, глядя в бурную, экспрессивную пейзаж. Wirbelnde Himmel und der farbenfrohe Fjord vermitteln ein Gefuhl von Chaos und innerer Unruhe.

Стилизованная эмоциональная композиция, отличающаяся яркими цветами и динамичными линиями, отражает борьбу Мунка с человеческой психикой и его личные битвы с психическим здоровьем.

Картина "Крик" стала вечным символом страха существования и остается одним из самых известных и влиятельных произведений в истории искусства.

Поль Гоген, Откуда мы идем? Кто мы такие? Куда мы идем?, 1897

Одна из самых известных картин Поля Гогена - "Откуда мы идем? Кто мы такие? Куда мы идем?" - написана в 1897 году и представляет собой глубокую рефлексию о смысле жизни и человеческой сущности.

На картине изображены три женские фигуры, представляющие различные возрастные группы. Каждая фигура олицетворяет этап жизненного пути и символизирует вопросы, которые человек задает себе в разные периоды жизни.

Первая фигура, представляющая девочку, выражает невинность и радость, которые присущи детскому возрасту. Она олицетворяет вопрос о происхождении, о начале жизни.

Вторая фигура, представляющая женщину средних лет, показывает смешение эмоций и опыта. Эта фигура задает вопрос о самоопределении и сознательном выборе в жизни.

Третья фигура, представляющая старую женщину, олицетворяет созерцание и испытанную мудрость. Она задает вопрос о смысле жизни и о том, что нас ждет в будущем.

Вокруг фигур Гоген разместил остров в Тихом океане и тропическую растительность. Этот фон символизирует естественность и простоту жизни.

Основная идея картины заключается в том, что человек постоянно ищет ответы на эти вопросы, и эти ответы зависят от его собственного восприятия и опыта. Картина призывает нас задуматься о нашем бытии и нашем месте в мире, о нашей предназначенности и том, куда мы движемся в будущем.

Поль Гоген, Откуда мы приходим? Кто мы такие? Куда мы идем?, 1897

Откуда мы приходим? Кто мы такие? Куда мы идем? - шедевр Поля Гогена, написанный в 1897-1898 годах. Эта крупноформатная картина является контемплятивным исследованием вопросов существования жизни.

Картина разворачивается в виде повествования от правой части к левой и показывает фигуры в различных фазах жизни, от невинности детства до сложности взрослости и размышлений в старости.

Гоген использует таитянскую символику, яркие цвета и пышный тропический пейзаж, чтобы создать визуальное стихотворение, отражающее его увлечение духовностью, циклом жизни и его стремление к утопическому раю на Таити.

Само название указывает на философское исследование человеческого существования и делает картину ярким представителем художественных и личных исследований Гогена.

Известные произведения: Густав Климт, Поцелуй, 1908

Поцелуй Густава Климта - это интересное сочетание символизма и югендстиля. Знаменитая картина показывает мистически воздействующую женщину, облаченную в изысканный декор из золота, что идеально вписывается в "Золотой период" Климта. В это время Климт часто использовал листовое золото для украшения своих мотивов.

Вероятно, эта техника была вдохновлена посещением итальянской церкви, где художники отделывали поверхности листовым золотом.

Известные произведения искусства модерна: "Девушки из Авиньона", Пикассо, 1907 год

Фото: Даррен Кумасава / Flickr.com / CC BY-NC-ND 2.0

Жанр "Лес Демуазель д'Авиньон" разорвет со многими традициями западного искусства и укажет путь к современному искусству. Знаменитая картина Пикассо изображает нескольких девушек, отображение которых напоминает африканские маски, которые Пикассо увидел в парижском музее.

Изображенные женщины на самом деле являются проститутками в борделе в Барселоне.

Композиция с красным, синим и желтым, Пит Мондриан, 1930

Фото: Kunsthaus Zurich

Пит Мондриан был ведущей фигурой голландского движения Де Стиль. Произведение "Композиция с красным, синим и желтым" является одним из главных произведений этого движения, абстрагирующего форму, цвет и композицию до их основных компонентов.

Три основных цвета и два цветовых контраста - черный и белый - используются для создания сетки цветовых полей, переходящей в минимализм.

Грант Вуд, Американская готика, 1930 год

Грант Вуд, Американская готика, 1930 год

"Американская готика" Гранта Вуда, написанная в 1930 году, является иконическим изображением сельской Америки во время Великой депрессии. Картина показывает серьезного фермера и его дочь перед фермерским домом в готическом стиле.

Аккуратные детали Вуда, серьезный выражение лица персонажей и готическая архитектура создают мощное изображение, которое является символом устойчивости в американском народе.

Сальвадор Дали, Постоянство памяти, 1931 год

Сальвадор Дали, Непреходящая память Фото: Нил Р / Фликр.com / CC BY-NC 2.0

Непреходящая память Сальвадора Дали, написанная в 1931 году, является шедевром сюрреализма, исследующим поток и относительность времени. Картина показывает таящиеся часы, размещенные в мире сновидений над различными объектами, включая искаженное лицо.

Мягкие, таящиеся формы Дали подразумевают формируемость времени и подсознания, приглашая зрителя задуматься о непостоянстве реальности.

Герника, Пикассо, 1937

Фото: euskalherrian / flickr.com / CC BY-SA 2.0

Герника, знаменитая картина Пабло Пикассо, является, пожалуй, самой известной анти-военной картиной всех времен. Она показывает страдания жителей баскского города Герника после того, как немецкая бомбовая эскадрилья почти полностью разрушила его.

Во время испанской Гражданской войны, поддержавшейся немецкими войсками на стороне Франко, было убито или тяжело ранено много невинных мирных жителей.

Известные картины истории искусства: Фрида Кало, Два Фриды, 1939

Картина «Две Фриды» Фриды Кало, написанная ею в 1939 году, является трогательным и символичным автопортретом, исследующим сложные чувства и личность художницы.

На картине изображены две Фриды Кало, расположенные рядом, соединенные артерией, идущей от сердца традиционной мексиканской Фриды к сердцу европейски-влиянной Фриды.

Двойное изображение отражает внутреннюю расколотость Кало между ее мексиканским происхождением и ее европейскими корнями, а также ее эмоциональные потрясения в связи с ее бурным браком с художником Диего Риверой.

Известные произведения искусства: Рене Магритт, «Сын Человеческий», 1964 год

Рене Магритт, "Сын Человеческий", 1964 год. Фото: Рокор / Фликр

Известная картина "Сын Человеческий" Рене Магритта из 1964 года изображает мужчину в костюме перед низкой стеной, лицо которого закрыто плавающим зеленым яблоком.

Личность мужчины остается скрытой и создает загадочную, сюрреалистическую атмосферу. Картина затрагивает темы идентичности, тайны и самоосознания, приглашая зрителя размышлять о символическом значении скрытого лица и сюрреалистическом противопоставлении обыденных элементов.

Аккуратная детализация Магритта, реалистическое изображение и мечтательная композиция делают это произведение увлекательным и задумчивым в работе сюрреалистического искусства.

|