-
Содержание
Минимализм – это художественное направление, в котором используются простые формы, повторяющиеся элементы и минимальное количество деталей. Оно возникло во второй половине 20 века в ответ на растущую сложность и избыток информации в мире искусства.
Основной идеей минимализма является стремление к упрощению и сокращению до необходимого минимума. Композиции минималистических работ часто оказывают на зрителя удивительное воздействие, вызывая чувство гармонии и покоя.
Основными элементами минимализма являются геометрические формы, чистые линии и поверхности, а также использование базовых цветов, часто в сочетании с нейтральными оттенками. Это позволяет художникам выразить свои идеи и эмоции с помощью минимальных средств.
Среди ключевых художников минимализма можно назвать таких мастеров, как Дональд Джадд, Дэн Флавин, Карл Андре, Ричард Сера, Агнес Мартин и другие. Их работы являются яркими примерами минималистического искусства и оказали значительное влияние на развитие этого направления.
Минимализм, помимо создания произведений искусства, нашел свое применение и в других сферах жизни, таких как архитектура, дизайн и музыка. Простота и ясность минималистического подхода находят отклик у людей, и поэтому он продолжает оставаться актуальным и в наше время.
Минимализм появился в начале 1960-х годов в Нью-Йорке среди художников, которые с уверенностью отвернулись от последних достижений искусства, которые они считали устаревшими и слишком академичными. Волна новых влияний и восстановленных стилей привела к тому, что некоторые художники начали задавать вопросы о традиционных границах между разными медиа.
Это новое искусство предпочитало равновесие перед "драматическим": их скульптуры часто изготавливались из промышленных материалов и акцентировали внимание на анонимности в отличие от экспрессивного изобилия абстрактного экспрессионизма. Художники-живописцы и скульпторы избегали открытой символики и эмоционального содержания, а вместо этого обращали внимание на материальность произведений.
Основные идеи минимализма
Развитие минимализма
Вдохновение ранней современности
В середине 1950-х годов в Нью-Йорке молодые художники, такие как Дональд Джадд, Роберт Моррис и Дэн Флавин, рисовали в популярном стиле Абстрактного экспрессионизма. Однако они экспериментировали с новыми художественными формами выражения, которые были вдохновлены преимущественно молодым европейским искусством.
Работы членов голландской группы Де Стиль с Пьетом Мондрианом, а также российским Конструктивизмом и немецким Баухаусом были представлены в музеях и галереях Нью-Йорка.
Все три группы стали пионерами новых определений изобразительного искусства, выходящих далеко за пределы традиционной живописи и скульптуры.
Бесконечная колонна Фото: Майк Мастер / Википедия
Среди скульпторов также был румын Константин Бранкуси, который являлся предтечей минимализма. Завершившаяся в 1938 году "Бесконечная колонна" – башня с идентичными ромбовидными формами, символизирует его космо-духовные убеждения и стремления в искусстве, показывая, как простые формы в множестве могут расширять представления о форме в пространстве.
Карьера Марселя Дюшана привела к переопределению художественной личности и ее отношения к процессу творчества. С помощью утонченного юмора он осуждал чисто визуальную эстетику живописи и объединял в своей практике живопись, кинетическую и статическую скульптуру, фотографию и кино.
Искусство середины XX века: поздняя модернизация
Эти ранние влияния дали возможность художникам переоценить мир абстрактного экспрессионизма, который был проинтуитивными формами и определял художественную жизнь в Соединенных Штатах в течение почти двух десятилетий. Значительное влияние на это оказали критики искусства, такие как Клемент Гринберг и Харольд Розенберг.
В отличие от более экспрессионистских художников, Марк Ротко и Барнетт Ньюмен подчеркивали силу цвета и простоту формы. Ротко, пожалуй, самый известный художник из направления "цветовых полей", наносил широкие полосы цвета на холст, в то время как Ньюмен открыл тонкие вертикальные замковые мотивы, которые разделяли его поля на плоскостные зоны разноцветной глубокой краски.
Минималистические художники стремились создать менее личное и более существенное искусство, так как считали, что произведение искусства должно ссылаться только на само себя. Поэтому многие из этих художников в начале 1960-х годов полностью отказались от живописи в пользу объектов, которые, по традиционному пониманию, не являлись ни живописью, ни скульптурой.
Например, работы Фрэнка Стеллы "Черные картины" (1958-60) были растянуты на более толстую деревянную раму, что делало их заметно отстоящими от стены. Этот подложка подчеркивала материальность и объектность картин, которые были четко абстрактными, не имели признаков мазков кисти и обладали впечатляющей плоскостностью.
Изображения Стеллы расширили возможности живописи за пределы простых прямоугольников, так как они размещались на стенах как орнаменты. Его произведения приобрели физические свойства архитектуры и скульптуры, которые противоречили всем предыдущим примерам живописи.
Достижение Стеллы нашло отклик в работах других абстрактных художников, которые создавали большие картины, казалось, основанные на геометрических теоремах.
Начало минимализма и концептуального искусства
В следующем поколении было много теоретиков, которые стали важными приверженцами минимализма и концептуального искусства. Эти художники и писатели определили эстетику обоих стилей.
Дональд Джадд опубликовал в 1965 году "Specific Objects", пытаясь установить эстетику минимализма. Фактически, он отказался от названия "минимализм" для характеристики искусства и предпочел термин "специфические объекты", который он описывал как отказ от традиционного различия между формами искусства. По его мнению, таким образом можно было описывать работы, которые не являлись исключительно живописью или скульптурой.
В 1966 году Роберт Моррис написал "Заметки о скульптуре", состоящие из трех частей, в которых он требовал использовать простые формы, интуитивно понятные зрителю. Он утверждал, что интерпретация произведений минимализма зависит от контекста и условий, в которых они воспринимаются. Таким образом, он в основном перевернул представление о произведении искусства как о произведении с внутренним, от художника производным значением, независимым от зрителя.
Сол ЛеВитт внес свой вклад в развитие обеих движений. В 1967 году он опубликовал "Параграфы о концептуальном искусстве", в которых написал: "Как выглядит произведение искусства не столь важно. Оно должно выглядеть как что-то, когда оно имеет физическую форму. Независимо от того, какой формой оно, наконец, обладает, оно должно начинаться с идеи. Художник занимается процессом концептуализации и реализации". В течение 40 лет до своей смерти в 2007 году ЛеВитт работал в качестве скульптора, художника и фотографа, и после смерти Джадда был главной фигурой минимализма.
Карл Андре опубликовал поэзию, которая была одновременно литературно и визуально привлекательна, при этом последнее достигалось художественным оформлением текста стихотворения, словно слова были твердым средством. Эти стихи были неотъемлемой частью выставок Андре, иногда появлялись в каталогах или рядом со своими скульптурами.
В результате всех этих теоретических оснований движение минимализма нашло рамки для расширения.
Новое искусство для новых пространств
В 1960-х и 1970-х годах были открыты новые выставочные залы в Европе и Америке. Традиционные музеи расширили свои галерейные помещения, и появились новые выставочные залы без постоянных коллекций.
В других городах США были созданы кооперативные галереи, такие как Artists Space в Нью-Йорке, которыми управляли художники. Обычно эти галереи занимали большие, грубые помещения, в которых художники-минималисты и концептуальные художники испытывали свои произведения.
В 1970-х годах произошел настоящий взрыв в области публичного искусства, который принес национальное признание скульпторам минимализма. Государственные и муниципальные органы создавали общественные скульптурные парки, в которых особенно поддерживалась минималистическая скульптура.
Концепции и стили минимализма в искусстве
Минималистическая живопись
Помимо скульпторов, минимализм также связан с некоторыми важными абстрактными художниками, такими как Фрэнк Стелла, Агнес Мартин и Роберт Райман. Эти художники рисовали полотна, которые, благодаря своим часто геометрическим композициям, считались минималистическими.
Они использовали линии, основные цвета, геометрические формы и сочетали материалы таким образом, чтобы создать произведения, которые в определенной мере были и живописью, и скульптурой.
Минималистическая скульптура
Большинство минималистов фокусировались на создании трехмерных объектов, так как это было самым радикальным и экспериментальным аспектом данного направления.
Подчеркнутая у минималистов, избавление от признаков авторства в их искусстве с помощью использования простых геометрических форм и промышленных материалов привело к произведениям, которые больше напоминали простые объекты, а не традиционную скульптуру.
Необычное размещение этих произведений на полу выставочных залов вместо пьедесталов подчеркивало различие с обычными произведениями искусства.
Фокус на поверхности и отсутствие рукописи художника означало, что значение объекта не было считано внутренним для самого объекта, а возникало из взаимодействия зрителя с объектом.
Это привело к уделяемому вниманию физическому пространству, в котором находилось художественное произведение.
Минималистская архитектура
Минимализм также присутствует в архитектуре - как в планировании зданий, так и в их оформлении.
В архитектуре минимализм следует похожим принципам, что и в изобразительном искусстве. Стремятся сделать пространство как можно более простым, при этом каждый элемент имеет определенную цель.
Архитекторы, такие как Людвиг Мис ван дер Роэ, верили, что минимализм раскрывает сущность пространства и делает его максимально мощным. Его девиз "Меньше значит больше" стал всемирно известным.
Минимализм в архитектуре возник и благодаря доступности новых материалов, таких как стекло, сталь и бетон, в сочетании с новыми методами строительства, обеспечиваемыми массовым производством. В результате возникли минималистичные строения, которые по-прежнему выглядят современными, несмотря на то, что прошло много десятилетий.
Концепция минималистической архитектуры имеет общие черты с архитектурой Баухауса, брутализма и современным дизайном середины века.
Постминимализм
В течение 1960-х годов под общим термином "Постминимализм" развились различные вариации минимализма. Некоторые из них, такие как работы Ричарда Серры, являются расширениями минималистических теорий, но большинство из них скорее являются вызовами жесткому облику минимализма.
Роберт Ирвин, родом из Калифорнии, создавал яркие круглые формы и минималистичные холсты с тонкими полосками, но начиная с 1969 года он начал создавать крупные инсталляции для галерей, в которых использовал световые источники, скрытые за прозрачными экранами. Его произведения вдохновили движение света и пространства, к которому позднее присоединился калифорнийский художник Джеймс Таррелл.
Роберт Смитсон организовал выставку Лэнд-Арта, которая стала явным вызовом для традиционных представлений о скульптуре и расширила минималистические определения. Его земляные работы выполнялись с помощью бульдозеров в удаленных местах и представлялись только через фотографии.
Вслед за примером Смитсонов, Ричард Лонг и Уолтер де Мария убрали искусство из галерей и превратили саму землю в художественный материал. Границы между "скульптурой" и "объектом" были размыты, и были выявлены новые определения искусства и креативности.
Известные произведения минимализма
Фрэнк Стелла, "Die Fahne Hoch!", 1959
Фото: Rocor / Flickr
Без сомнения, "Die Fahne Hoch!" Фрэнка Стеллы является ключевым произведением современного искусства. Оно является дерзким вопреки работам абстрактного экспрессионизма и входит в состав его Черных картины.
Это одноцветная прямоугольная картина на тяжелой подставке, выступающей из стены в окружающее пространство, словно призывая зрителя отойти.
Наблюдатель буквально отталкивается, пытаясь рассмотреть узор полос на поверхности. Эти полосы - это необработанный холст, открывающийся между широкими черными полосами, которые покрашены несколькими видимыми кистями.
Картина является плоской абстракцией и казалась бы без смысла, за исключением названия: "Флаг наверху!" - это открывающие слова песни Хорст-Весселя, поздней партийного гимна НСДАП.
Стилла отрицал любые политические связи, и, возможно, название можно рассматривать как намек на Джаспера Джонса, чьи американские флаговые изображения 1954-55 годов были приняты критиками с похвалой, но также вызвали некоторое замешательство среди общественности.
Кунстхисторики поняли этот заголовок как пример часто очевидной эстетики минималистов, которые отказываются создавать произведения, которые визуально привлекательны. Таким образом, зрителю приходится взаимодействовать с произведениями искусства на материальном уровне, чтобы подвергнуть сомнению стандартные отношения между зрителем и произведением искусства.
Карл Андре, Рычаг, 1966
Карл Андрес Левер был самым дерзким произведением искусства в выставке "Первичные структуры" 1966 года, которая познакомила общественность с минимализмом. Этот ряд из 137 шамотных камней, размещенных таким образом, чтобы они выдавались из стены и пересекали пол, был сравнен Андресом с перевернутым столбом.
Левер (нем. Hebel) поразил посетителей галереи, прервал их движение и был неприятным своей простотой. Изготовленный из доступных материалов, Левер требовал уважения от задумчивых наблюдателей и одновременно подрывал традиционные художественные ценности.
Андрес Хебель вместе с множеством минималистических работ задавал вопрос, как взаимодействовать зрителям с произведениями. Эта работа выполнена из материалов, напоминающих промышленные или строительные материалы, и не требует обработки рукой художника.
Дональд Джудд: Без названия, 1969 г.
Фото: Rocor / Flickr
Дональд Джудд был важным теоретиком минимализма и одним из главных сторонников обогащения выставочных пространств неконвенциональным размещением объектов.
В 1960-х и 1970-х годах Джад создал несколько версий этой безымянной работы, при этом он всегда сохранял одинаковый размер, но никогда не использовал одинаковый цвет или материал.
Художник хотел, чтобы его произведение существовало в реальном трехмерном пространстве, в отличие от традиционной живописи и скульптуры, которые изображают вымышленное трехмерное пространство или повествование.
Называя свои скульптуры "первичными структурами", он отказался от традиционных элементов скульптуры и создал объекты, которые, хотя и кажутся холодными и промышленными, всё же являются обыденными. Вися на стене, они выдвигаются из нее, словно скульптура, и таким образом подвергают сомнению традиционное отделение этих двух сред.
